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Músicos y famosos que fueron rechazados en sus comienzos

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Del fracaso al éxito: los músicos y famosos que fueron rechazados en sus comienzos

Aunque todos ellos tienen o han tenido una exitosa carrera, en sus inicios sufrieron por no ser los elegidos de muchos productores

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Desempeñarse con notoriedad y talento en el mundo de la música no es tarea fácil.  Es sabido que muchas estrellas han tenido que emplearse en toda clase de oficios antes de alcanzar la fama, y muchas otras también han ejercitado la paciencia y la perseverancia al ser rechazados una y otra vez por las grandes discográficas.

Pero unos pocos, son los que continúan intentando, con mucho esfuerzo y trabajo. Esos elegidos son los que triunfan y son los productores que los rechazaron los que hoy se lo lamentan….

  • Lady Gaga: Cuando aun no era llamada la nueva reina del pop,  Lady Gaga intentó firmar con una de las discográficas de “L.A.” Reid (ejecutivo de la industria musical estadounidense). Tras escuchar unos demos, le ofreció realizar una audición. Pero luego de escucharla le dijo que su música era desagradable y no la contrató. Años después, este gran productor musical confesó públicamente que ese ha sido su peor error, del que aun hoy se arrepiente.
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  • Madonna: Cuando decidió que lo suyo era la música, abandonó sus estudios universitarios y se mudó a Nueva York. Pero mientras intentaba triunfar como cantante, trabajó en muchos locales de comida rápida, hasta que consiguió entrar en la escena punk rock de Nueva York. Fue rechazada por Media Sound (le dijeron que su disco “no estaba listo” para ser publicado). Pero tiempo después logró firmar con Sire Records. Ese fue su primer trabajo discográfico, que vendió más de diez millones de copias en todo el mundo. Nada mal para “no estar listo”.
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  • The Beatles: El ejecutivo de Decca Records, Dick Rowe no quiso firmar contrato con los muchachos de Liverpool, porque consideraba que las bandas con guitarras estaban en decadencia y pronto desaparecerían de la escena musical. Muy poco visionario lo suyo.
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  • U2: La banda liderada por Bono presentó su primer sencillo en RSO Records. La compañía los rechazó al considerar que su música no era adecuada para ellos. Tiempo después, los músicos irlandeses firmaron con Island Records y lanzaron su primer single internacional. Desde ese momento todo fue éxito para los U2
Dunkin’ Donuts, Ford o Chrysler e incluso Harper’s Bazaar son algunas de las compañías que han marcado el pasado laboral de 15 nombres famosos a los que en su momento no quisieron en sus plantillas y que ahora disfrutan de una privilegiada situación económica. Business Insider desvela sus nombres y sus historias una lista en la que figuran Madonna, Oprah Winfrey o Robert Redford.
1. Walt Disney
En 1919 Walt Disney fue despedido del diario local Kansas City Star, según su editor, porque “le faltaba imaginación y no tenía buenas ideas”. Aunque no fue su único fracaso ya que, poco después, Disney compró Laugh-O-Gram, un estudio de animación que acabaría en bancarrota. Finalmente, se estableció con su hermano en Hollywood, donde empezaron a crear dibujos animados de éxito y, en 1923 nació The Walt Disney Company, que logró convertirse en una de las compañías de comunicación y entretenimiento más grandes del mundo.
2. JK Rowling
JK Rowling tenía un puesto de secretaria en sede londinense de Amnistía Internacional, pero pasaba la mayor parte del tiempo soñando con hacerse escritora. En secreto, escribía historias en el ordenador de la oficina e imaginaba las historias de un joven mago llamado Harry Potter. A pesar de que sus jefes terminaron por cansarse y la echaron, la indemnización que recibió le permitió mantenerse durante los años siguientes, hasta que decidió dedicarse de forma profesional a la escritura. Actualmente es mundialmente conocida por escribir la saga de libros más exitosa de todos los tiempos, y que lograron convertirla en multimillonaria.
3. Michael Bloomberg
El alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, era socio del banco de inversión Salomon Brothers pero, en 1998, la entidad fue adquirida por Citigroup. Bloomberg abandonó su puesto, aunque no sin llevarse una buena indemnización. Un dinero que utilizó para empezar su propia compañía de información y servicios financieros, Bloomberg L.P., y que logró llevarle hasta el puesto 18 de la lista de personas más ricas de Estados Unidos. Además, fue nombrado alcalde de Nueva York.
4. Anna Wintour
La reconocida editora de Vogue, Anna Wintour, empezó su carrera en Nueva York como editora de moda junior en Harper’s Bazaar. Los problemas empezaron cuando Wintour decidió introducir cambios innovadores, pero que el redactor jefe Tony Mazalla consideró demasiado atrevidos. Después de nueve meses en su puesto fue despedida. Pero lejos de dejarse derrotar por este despido, para Wintour fue una gran experiencia de aprendizaje, además de que siguió manteniendo su propio estilo personal. Poco después de ser despedida de Harper’s fue nombrada editora de moda de Viva. “Les recomiendo a todos que sean despedidos”, comentó Wintour a un grupo de estudiantes.
6. Oprah Winfrey
Oprah Winfrey trabajaba como reportera en los informativos de la noche de la cadena de Baltimore WJZ-TV, pero no podía evitar involucrarse emocionalmente con las historias que relataba. El productor de la cadena se cansó de tanto sentimentalismo y la despidió, aunque le ofreció un papel en otro programa del canal. Aunque al principio fue duro para Oprah, su pesimismo se fue disipando cuando su programa, People Are Talking, se convirtió en un enorme éxito. Fue el principio del reconocimiento de Oprah como la estrella de los talk-shows.
7. Jerry Seinfeld
Antes de convertirse en una estrella del humor, Jerry Seinfeld tenía un papel en una comedia llamada Benson. A los productores no les gustaba su forma de actuar y, después de tres episodios fue despedido. El problema es que nadie se molestó en contárselo a Seinfeld y no lo supo hasta que un día, al buscar su papel en el guión, no lo encontró. A pesar de la humillación, Seinfeld volvió a actuar en pequeños clubs de comedia hasta que un cazatalentos de Tonight Show le conoció y le invitó a aparecer en el programa. Desde ese momento, su carrera empezó a despegar.
8. Truman Capote
Capote abandonó el instituto para trabajar como chico de las fotocopias en el New Yorker, mientras soñaba con que algún día le publicarían algo en esa prestigiosa revista. Dos años después, Capote acudió a una lectura del poeta Robert Frost pero, debido a un resfriado, tuvo que abandonar la sala en mitad de la conferencia. Frost se sintió insultado y pidió a la revista que despidiera al joven Capote. Este despido no llegó a afectar a su carrera y, después de escribir historias cortas para revistas como Harper’s Bazaar y Mademoiselle, publicó su primera novela.

9. Robert Redford

Robert Redford era un trabajador poco cualificado de Standard Oil, pero su supervisor le encontró durmiendo. En lugar de despedirle, le enviaron a otro departamento, pero seguía siendo un desastre, así que finalmente le invitaron a abandonar la empresa. Un despido que le animó para seguir con sus sueños y, después de ir a la Universidad de Colorado, se mudó a Nueva York para hacerse actor.
10. Lee Iacocca
Lee Iacocca logró llegar a la cima de Ford Motor Company pero, después de unas cuantas ideas malas, fue despedido. Pronto fue captado por Chrysler, que por entonces estaba en una situación bastante comprometida. Pero gracias a un préstamo que Iacocca consiguió del gobierno, resucitó a la compañía, aportó algunas ideas que fueron ignoradas en Ford y ocupó el puesto de CEO de Chrysler hasta 1992.
11. Bernie Marcus y Arthur Blank
Bernie Marcus y Arthur Blank fueron despedidos de Handy Dan, una cadena de reformas, y pronto decidieron lanzar su propia tienda de reformas basadas en las ideas que tuvieron mientras trabajaban para Handy Dan. De este dúo nació Home Depot, una tienda de descuentos que, en menos de una década, abrió más de 100 tiendas y consiguió más de 2.700 millones en ventas.
12. Howard Stern
Howard Stern se empezó a hacer un nombre como DJ polémico en la WNBC, pero un chiste demasiado subido de tono pudo con la paciencia de los directivos de la NBC y le despidieron. Pronto encontró XM, donde se sentía más seguro y, después de su debut, millones de fans incondicionales se enganchaban a la radio para oír su programa. Ahora, gana unos 70 millones de dólares al año.
13. Elvis Presley
El rey del rock ‘n’ roll, además de éxitos vivió algún que otro fracaso. Después de una actuación en Nashville, el encargado de la sala le dijo que debería volver a su carrera de conductor de camiones y dejar el espectáculo. Un comentario que no amedrentó a Elvis, quien siguió dando conciertos y pronto se convertiría en la estrella más importante de la música moderna.
14. Thomas Edison
Edison trabajaba en una oficina de Western Union, donde realizaba experimentos en secreto. Después de derramar ácido en el suelo, en 1867, fue despedido, y decidió dedicarse a inventar a tiempo completo. Su primera patente llegaría tan solo dos años después.
15. Mark Cuban
Uno de los primeros trabajos de Mak Cuban después de dejar la universidad fue en una tienda de ordenadores como vendedor. Después de olvidarse de abrir la tienda porque estaba ocupado con un cliente potencial de la empresa que estaba desarrollando, sus jefes le echaron. Fue la última vez que trabajaría para alguien, ya que después creó su propia compañía, MicroSolutions, con la que ha conseguido amasar una fortuna de más de 2.400 millones de dólares.



El origen del nombre de la Banda Bon Jovi (parodia)

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Bon Jovi es el nombre de una de las bandas emblemáticas del rock glam.
Nació en Nueva Jersey en 1983 y su líder y vocalista es Jon Bon Jovi.
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Lo acompañaron originalmente Richie Sambora (guitarrista), David Bryan (teclista), Tico Torres (batería) y Alec Jonh Such (bajista); este último abandonó la formación en 1994 y fue sustituido de forma no oficial por Hugh McDonald. Richie Sambora, abandonó la banda de forma definitiva en 2013.
Su primer disco se llamó “Bon Jovi” y en este video de Saturday Night Live podrás ver una parodia en el que los integrantes discutían sobre el nombre del grupo.

 

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Que nos hace la Música ? Como afecta nuestro cuerpo…

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La música que escuchamos nos define más como personas de lo que creíamos. Los efectos de la música sobre el mundo son muchos e importantes, tales como alterar los estados de ánimo de aquellos que la escuchan.

informacionLa música es algo que gusta a todo el mundo. A unas personas les gusta un tipo de música concreto, un cantante o grupo en concreto, mientras que a otras, les gusta otro género musical o varios tipos y géneros musicales.

Más allá de una cuestión de gustos o calidad musical, ¿sabemos cómo la música, sea del tipo que sea, afecta a nuestra forma de actuar en relación con el mundo que nos rodea? o ¿cómo se transforma nuestro cuerpo cuando estamos escuchando música? Sin duda es fascinante ver los cambios que la música puede producir sobre nuestra actitud ante la vida.

Al fin y al cabo el oído es un sentido más de nuestro organismo y si al probar un limón, su acidez, nos produce un efecto en nuestro cerebro y como reacción (por norma general), una mueca en nuestras caras, la música también produce cambios y reacciones en nuestro organismo.

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1. Cuando una canción no para de repetirse en tu cabeza, se llama gusano musical.
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2. Tu corazón modifica sus latidos para imitar a la música que escuchas.
14 Curiosidades sobre la música que seguramente no conocías

3. No nos gusta la versión original de una canción porque sea mejor, sino, porque es la primera versión que escuchamos.
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4. La formación musical puede mejorar de forma importante el razonamiento y las habilidades motoras.
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5. Cantar o tocar instrumentos musicales puede ayudar en la depresión.
14 Curiosidades sobre la música que seguramente no conocías

6. El tipo de música que escuchamos afecta a la forma en que percibimos el mundo.
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7. La música alta puede provocar que las personas beban más en menos tiempo.
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8. Algunos tipos de música nos ayudan a mejorar el rendimiento potenciando el alcance de metas. Nos centra en las recompensas, aumenta la persistencia, y nos hace sentir que tenemos el control.
14 Curiosidades sobre la música que seguramente no conocías

9. Es conocido que las flores crecen más rápido si la música suena a su alrededor.
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10. El ruido ambiental mejora la creatividad.
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11. Escuchar música mientras se realiza ejercicio físico mejora sensiblemente el rendimiento físico.
14 Curiosidades sobre la música que seguramente no conocías

12. La música nos puede distraer de forma importante durante la conducción.
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13. Nuestra canción favorita, probablemente es nuestra favorita porque la asociamos a un evento emocional en nuestras vidas
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14. La música que te gusta a los 20 años de edad, tiene una probabilidad muy alta de ser la música que te gustará durante el resto de tu vida.
14 Curiosidades sobre la música que seguramente no conocías

 




Jimi Hendrix en nuevo museo de Londres

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Jimi Hendrix en nuevo museo de Londres

 

Curiosidades de la historia, el guitarrista estadounidense alquiló un cuarto en una casa de Inglaterra en la que había vivido el compositor Friedrich Händel. Desde el año que viene la habitación podrá verse restaurada, tal como lucía a fines de los 60. 

Jimmy Hendrix (AP)

Los pases para ingresar en febrero de 2016 a la habitación restaurada de Hendrix estarán a la venta desde noviembre de este año (AP).

Da impresión recordar -y no deja de ser trillado hacerlo- que murió a los 27 años, como Janis Joplin y Jim Morrison. Como Kurt Cobain. Precisamente fue en ese momento, en un tramo que abarca parte de 1968 y 1969, casi los últimos de años su vida, cuando Jimi Hendrix decidió mudarse a un piso de Londres, Inglaterra, que desde febrero de 2016 abrirá sus puertas como museo.

Pero hay un plus: Hendrix (si hiciera falta, uno de los mejores y más influyentes guitarristas de la historia) se había mudado a lo que hoy es la Händel House, una construcción en la que, por si le faltase una dosis de aura artística, había vivido durante más de tres décadas el compositor Georg Friedrich Händel. Increíble, del barroco al rock and roll. O, claro, a lo mejor del blues eléctrico.

Es así. Si uno se parase a la altura 25 de la Brook Street, en el barrio londinense de Mayfair, estaría en la entrada de lo que fue la casa de Händel, con toda la pompa del siglo XVIII incluido. Pero si lo hiciera frente al número 23 (la construcción es un conjunto) estaría presenciando el edificio en el que el emblemático guitarrista estadounidense alquiló una pieza. Ya hace tiempo se anunció la restauración del cuarto tal y como lucía a fines de los 60. En febrero del año que viene será realidad.

En éxtasis

De todos modos, no va a ser la primera vez que se exhiban ahí objetos vinculados a la vida de Hendrix, que ahora comparte todo el protagonismo a los ojos de la fundación dedicada a Händel. Ya lo dice la web: handelhendrix.org.

Es que en 2010, a cuatro décadas de la muerte de Jimi, la habitación en la que había vivido con su novia de esos años (Kathy Etchingham) dejó de ser, por unos días, oficina del staff del museo centrado en el compositor alemán, y se abrió a los fanáticos del mítico guitarrista.

La exposición, entonces, mostró manuscritos, su guitarra Gibson Flying V y algo del vestuario de Hendrix. Ahora, en la apertura formal de la habitación como museo, se sabe que otra guitarra está expuesta: una acústica Epihpone en la que Jimi habría compuesto su versión de All Along the Watchtower, famoso tema de Bob Dylan.

La reforma, que arrancó el año pasado, supone un costo estimado de 2,4 millones de libras, unos 3,36 millones de euros. Aunque podrá disfrutarse desde el 10 febrero de 2016, las entradas estarán a la venta en un par de días, desde el lunes que viene, 2 de noviembre.

Si bien es sabido que Hendrix había alquilado la pieza a 30 libras por semana (hoy, unos 40 euros), aún se desconoce el costo de la entrada para pisar ese mismo cuarto y sentir la experiencia.

Imaginarlo cerrar los ojos, verlo tocar. Y sentir su guitarra, la más embriagadora de todas.

 




Elton John estrena el primer single de su nuevo disco 2016 “Looking up”

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El álbum contiene una decena de temas escritos codo a codo por Elton John y su sempiterno compañero letrista Bernie Taupin.

El músico inglés Elton John publicará el 5 de febrero de 2016 su trigésimo segundo disco, con el título de “Wonderful Crazy Night”. El primer single lleva por título Looking up y ya puede conseguirse en descarga directa con la reserva del álbum.

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El álbum que está coproducido por el propio Elton con T-Bone Burnett, estará disponible en diversos formatos -CD, LP, Deluxe CD y Super Deluxe Boxset- contiene una decena de temas escritos codo con codo por Elton John y su sempiterno compañero letrista Bernie Taupin.

https://www.youtube.com/watch?v=qr0aCFDayyk

El repertorio incluye Wonderful Crazy Night, In The Name Of You, Claw Hammer, Blue Wonderful, I’ve Got 2 Wings, A Good Heart, Looking Up, Guilty Pleasure, Tambourine y The Open Chord.




La música Clásica, efectos en el cerebro de los niños

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La música y sus efectos en el desarrollo del cerebro de los niños

Escucha junto  a tu familia nuestro espacio de música docta todos los días desde las 19:30 hrs en Radio Chicureo Online.

Los primeros tres años de la vida de un niño representan un periodo importante en el futuro de todo individuo, ya que allí se establece esa relación especial entre padres e hijos llamada “apego”, la música puede contribuir a fortalecer este vínculo y lograr que se convierta en una relación sana y operativa. En todo el mundo, cuando los padres le hablan a sus hijos pequeños, ajustan sus voces para hacerlas más suaves, más rítmicas, más musicales.

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La música puede ser un vehículo para el desarrollo integral del niño que abarque las áreas cognitiva, social, emocional, afectiva, motora, del lenguaje, así como de la capacidad de lectura y escritura.

La Música y sus orígenes

La música es un medio de expresión universal, se cree que sus orígenes se relacionan con la propia voz del hombre. Los primeros instrumentos musicales aparecieron hacia el año 2500 a.C., en la cultura egipcia. En la Grecia y Roma antiguas, alrededor del siglo v a.C., la música fue esencialmente vocal, e hizo uso de instrumentos de percusión, de cuerda y de viento. Alrededor del siglo v d.C., la era cristiana trajo consigo la aparición de cantos litúrgicos. En la Edad Media aparecieron los cantos gregorianos como la manifestación musical más importante de la época. En los siglos XVII y XVIII apareció la ópera, que con la música instrumental y los grandes compositores de música clásica (Vivaldi, Beethoven, Schubert, Brahms, Mozart y otros),  representaron la madurez de la música.

En los siglos XIX y XX se produjo una ampliación y perfeccionamiento de los diferentes instrumentos musicales. La música comenzó a utilizarse como método terapéutico especialmente en la segunda mitad del siglo XX, debido al reconocimiento de sus efectos sobre el estado afectivo y de atención de los individuos.

El Cerebro

El cerebro humano constituye el órgano más importante y de mayor complejidad del sistema nervioso, es un órgano que durante la infancia sufre cambios madurativos y que es altamente sensible a los estímulos externos. Anatómicamente lo podemos dividir en dos hemisferios (derecho e izquierdo), cada uno con características funcionales diferentes y especiales, compuestos por lóbulos y cubiertos por una estructura denominada corteza cerebral en la cual se encuentran las áreas del desarrollo humano.

Los estudios neuroanatómicos han demostrado que el hemisferio izquierdo se especializa en el procesamiento del lenguaje y el hemisferio derecho en la percepción y procesamiento de la música.

El cerebro humano funciona por medio de conexiones (sinapsis) que realizan las células cerebrales denominadas neuronas y que son las encargadas de transmitir el impulso nervioso que determina nuestra conducta.

El cerebro humano presenta una alta capacidad de aprendizaje y posee la propiedad de funcionar en situaciones extremas o de déficit tanto orgánicos como funcionales, esta capacidad se denomina plasticidad cerebral.

El efecto “Mozart” y el efecto “Tomatis”

A mediados del siglo XX, un médico otorrinolaringólogo francés Alfred Tomatis, inició una propuesta de rehabilitación dirigida a personas con dificultades auditivas o de lenguaje.

Su programa terapéutico consistía en la estimulación musical a través de escuchar piezas de Mozart y otros compositores clásicos, obteniendo cambios positivos en la rehabilitación del lenguaje y en el desarrollo del habla, a este efecto se le ha denominado “efecto Tomatis”. Asimismo este eminente médico, elaboró un nuevo modelo de crecimiento y desarrollo del oído humano y reconoció que el feto escucha sonidos dentro del útero materno (tales como los movimientos de la digestión, los ritmos cardíacos y la respiración de la madre). Observó también que el recién nacido se relaja cuando oye la voz de la madre.

En 1993, Rauscher y colaboradores de la Universidad de California, publicaron los resultados obtenidos en una investigación realizada con grupos de estudiantes universitarios, a quienes se les expuso a escuchar durante 10 minutos una sonata de Mozart, logrando puntuaciones altas en las pruebas de habilidades visuoespaciales y cognitivas en general, así como un incremento transitorio del cociente intelectual. A este hallazgo se le denominó “efecto Mozart”.

Estudios posteriores han demostrado que el escuchar música de Mozart desencadena cambios de conducta (en relación a estados de alerta y calma), afectividad (induce estados emotivos) y metabólicos (aumento del contenido de calcio y dopamina en el cerebro).

La música y sus efectos en el desarrollo del cerebro

Las investigaciones que se han referido al efecto de la música sobre el cerebro infantil, han coincidido en que ésta provoca una activación de la corteza cerebral, específicamente las zonas frontal y occipital, implicadas en el procesamiento espaciotemporal.

Asimismo al evaluar los efectos de la música a través de registros de electroencefalogramas, se ha encontrado que la música origina una actividad eléctrica cerebral tipo alfa. Todo lo anterior se traduce en lo siguiente: la música (sobre todo la música clásica, de Mozart) provoca:
  • Aumento en la capacidad de memoria, atención y concentración de los niños.
  • Mejora la habilidad para resolver problemas matemáticos y de razonamiento complejos.
  • Es una manera de expresarse.
  • Introduce a los niños a los sonidos y significados de las palabras y fortalece el aprendizaje.
  • Brinda la oportunidad para que los niños interactuen entre sí y con los adultos.
  • Estimula la creatividad y la imaginación infantil.
  • Al combinarse con el baile, estimula los sentidos, el equilibrio, y el desarrollo muscular.
  • Provoca la evocación de recuerdos e imágenes con lo cual se enriquece el intelecto.
  • Estimula el desarrollo integral del niño, al actuar sobre todas las áreas del desarrollo.

Para concluir sólo resto decir que la música representa un papel importante en el proceso enseñanza aprendizaje de los alumnos (sobre todo los de educación inicial), por lo tanto, los maestros, las instituciones educativas, los padres y el personal de salud, deben conocer los alcances y beneficios que se derivan del empleo de la música como parte importante de la educación integral del menor.




La muerte del Gran B.B. King y guitarras apenadas, revisa videos en homenaje

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Riley B. King o Riley Ben King ( Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925 – Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 2015 ), más conocido como B.B. King.

Musicalmente hablando, es como si al mundo le quitaran, casi definitivamente, una parte de su memoria. Se va uno de los últimos grandes padres fundadores del blues, un hombre que creó un nuevo lenguaje con la guitarra eléctrica, pieza esencial en la arquitectura de la música popular del siglo XX. Se va algo más que un simple músico. Porque B. B. King, muerto a los 89 años, representaba un modo de vida y de creación musical en Estados Unidos.

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El músico desfalleció el pasado octubre durante un concierto y tuvo que cancelar el resto de la gira también por deshidratación y agotamiento provocados por la diabetes que le fue diagnosticada hace más de dos décadas. Desde entonces, su estado de salud no hizo más que empeorar.

Nacido en el seno de una familia pobre, en una diminuta cabaña de un pueblo de Misisipí, su primera experiencia musical llegó a los 12 años cuando formó parte de un grupo vocal de gospel y el predicador le enseñó sus primeros acordes con una guitarra. Entonces, recogía algodón en una granja de la ciudad de Lexington. Luego, lo hizo en Indianola durante los primeros años cuarenta.

Con su famosa Lucille —nombre que dio a su inseperable guitarra Gibson— y un puñado de dólares en el bolsillo, se mudó en 1946 a Memphis, la ciudad que poco después alumbraría a Elvis Presley, donde a finales de los cuarenta y principios de los cincuenta desarrolló un estilo único: mezclaba el sonido rural del campo con la vitalidad eléctrica de la ciudad. Allí se convirtió en el rey de la calle Beale e hizo avanzar el blues. Le otorgó en esos primeros años un carácter particular y asombroso. Canciones como I’ve Got a Right To Love My Baby, Please Love Me, Three O’Clock Blues, Sugar Mama o Gotta Find My Baby, eran composiciones que muestran un blues nada convencional, donde había orquesta de metales que le alejaban del prototipo del músico primitivo del Mississippi pero sin perder las raíces de su tierra. Con su voz aguda y el poder de su guitarra, era el medio camino perfecto entre Mississippi y Chicago, entre lo rural y lo urbano, entre el Génesis y el Nuevo Testamento del blues.

Fue el sonido del blues moderno, que más tarde explotó en Chicago y marcó a toda la generación el rock’n’roll de los sesenta. Tuvo grandes discípulos blancos como Eric Clapton o Mike Bloomfield. Los Rolling Stones, fascinandos por el cancionero de los primeros bluesmen originales, se lo llevaron de gira. De telonero, con ellos dio alguno de los miles de conciertos que tenía en su hoja de ruta. Porque B. B. King, que ansiaba sacarse el mayor dinero posible a través del blues locuaz y contagioso de su guitarra, se tomó por costumbre hacer más de 250 actuaciones al año. En España, se le pudo ver en varias ocasiones, entre ellas con Raimundo Amador.

De alguna forma, en las últimas dos décadas quedó etiquetado como el gran embajador del blues clásico, de ese sonido primigenio que sonaba más real y absorbente que en ningún otro lado en aquellos hombres y mujeres que vivieron una época determinada. Muchos fueron cayendo mientras él seguía tan incombustible como en sus años más jóvenes, aunque con los achaques de la edad: tenía problemas de vista y tenía que tocar sentado durante toda la actuación. Pero ahí estaba B. B. King, llamado por muchos Rey del blues y con el que todas las figuras musicales querían compartir escenario, bien fuera sus discípulos hasta Luciano Pavarotti. Ahí estaba un artista esencial para comprender el desarrollo de la música popular del siglo XX, el fascinante universo del blues original, nacido del mundo rural y electrificado a través de su Gibson hasta moldear un lenguaje impactante. Ahí estaba, en definitiva, B. B. King, memoria de un tiempo irrepetible, tal vez el último guitarrista que nos recordaba cómo empezó todo cuando queríamos hablar de blues.

Músicos de todas las nacionalidades y personalidades de los más diversos ámbitos han mostrado su pesar en las últimas horas por la muerte de B.B. King, dando clara cuenta de que el que partió es una de las figuras más relevantes del blues y el mundo de la guitarra.

B.B. King se mantuvo activo casi hasta el final de sus días, incluso realizando extensas giras

El presidente de EE UU, Barack Obama, y figuras de la música como Eric Clapton y Ringo Starr, compartieron sus impresiones tras la partida del guitarrista

Así lo reconoció, entre otros, el que es considerado uno de sus herederos, Eric Clapton. “Sólo quise expresar mi tristeza y decirle gracias a mi querido amigo B.B. King. Quise agradecerle por toda la inspiración y el aliento que me dio como guitarrista a lo largo de años y por la amistad que disfrutamos. No hay mucho que decir, porque esta música ahora es casi cosa del pasado, y no quedan muchos que la toquen del modo puro en que la tocó B.B. Él fue un ejemplo para todos los que amamos este tipo de música y le agradezco desde el fondo de mi corazón”, dijo el hombre de “Tears in heaven” a través de Facebook.

Smokey Robinson aseguró que “el mundo ha perdido físicamente no sólo a uno de los músicos más maravillosos que haya existido, sino a una de las mejores personas que haya existido. Disfruta tu eternidad”.

Incluso el presidente Barack Obama se sumó a los pésames por el deceso del músico de 89 años: “El blues ha perdido a su rey y Estados Unidos ha perdido a una leyenda”.

 

 

“Esta noche habrá una sesión genial de blues en el cielo”, continuó el mandatario estadounidense, quien dijo que “nadie trabajó más duro” y que “nadie hizo más para difundir la verdad del blues” que King.

Al otro lado del Atlántico, diversas personalidades recordaron al guitarrista, entre ellas Hugh Laurie, actor de la serie “Dr. House”, y quien también es un reconocido blusero. “Oh Dios. BB King. Dejemos que los tiempos tristes fluyan”, escribió en Twitter.

El ex Beatles Ringo Starr expresó sus condolencias a través de la misma red social. “Dios bendiga a BB King”, fue su tuit.

En Latinoamérica, figuras como Silvio Rodríguez reconocieron el valor del músico. “Me parece que con B.B. King se le va mucho al blues. Cierta orfandad en el aire”, escribió hoy en su blog Segunda Cita, medio habitual que el cubano utiliza para compartir sus ideas.

B.B. King murió este jueves a los 89 años de edad a causa de diversos problemas de salud a los que lo había arrastrado la diabetes que padece. Sin embargo, pese a esa enfermedad, se mantuvo casi hasta sus últimos días en plena actividad, y realizando extensas giras.

Ganador de quince premios Grammy, King es hoy considerado como uno de los más grandes guitarristas de la música popular, y como una de las mayores figuras que haya dado el blues en su historia.




Numeros Emergencia Chicureo

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  • Numeros de Emergencia:
  • Plan Cuadrante Nº36: 9 623 3149 (Celso Diaz)
  • Comisaria Chicureo: 29226615
  • Comisaria Colina: 2922 4010
  • Bomberos Chicureo: 2844 1329 – 2245 2425
  • Consultorio: 2844 1525 – 2844 0006
  • Posta de Urgencia: 2844 5026
  • Rescate Clinica Las Condes: 2610 7777
  • P. Investigaciones: 2844 7991 – 2844 7993
  • Chilectra Emergencias: 600 696 0000
  • Autopista Los Libertadores: 2844 7853
  • Autopista Nororiente: 2412 3300 – 2412 3301



Panoramas Chicureo: Humedal de Batuco

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El sitio Humedal Batuco se ubica principalmente en la parte norponiente de la Región Metropolitana, abarca una superficie de 14.788 hectáreas, comprende la parte centro oriente de la comuna de Lampa, el extremo sur de la comuna de Til Til y el extremo norte de la comuna de Quilicura y se localiza en las siguientes coordenadas UTM: 330000 E – 6320000 N. Todo el sitio está definido como una zona prohibida de caza.

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Dentro de este sitio se encuentra el humedal natural más importante de la Región Metropolitana, caracterizado por una alta concentración de avifauna acuática residente y migratoria. Habitan en el sitio cerca de setenta especies de aves, lo que representa cerca del 20 por ciento de su riqueza en Chile.

Muchas especies anidan allí, figurando entre ellas algunas en peligro de extinción, como la Rostratula semicollaris (becasina pintada) y otras con serios problemas de conservación, como la Cygnus melanocorypha (cisne de cuello negro), Anas bahamensis (pato gargantillo), Ardea cuca (garza cuca), Heteronetta atricapilla (pato rinconero), Anas platalea (pato cuchara), Ixobrichus involucris (huairavillo), Asio flammeus (nuco), Gallinago paraguaiae (becasina).

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En el área también existen especies de reptiles, como el Tachymenis chilensis (culebra de cola corta) y el philodryas chamissonis (culebra de cola larga); algunos anfibios como Pleurodema thaul (sapito de cuatro ojos) y mamíferos como Pseudalopex culpaeus (zorro culpeo) y Pseudalopex griseus (zorro chilla).

En cuanto a la flora, destaca la presencia de la especie Amaranthus looseri, perteneciente a las angioespermas dicotiledóneas, propia del humedal de Batuco.

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Dentro de las principales amenazas que se observan es posible mencionar la fuerte perturbación antrópica: drenajes de la laguna para fines inmobiliarios e industriales, caza ilegal, recepción desechos domiciliarios e industriales, construcción de diques, extracción de suelos y aguas subterráneas, entre otras.

info: I.M.Lampa

 




“Mariposa Libre” “Little Wing”, Escucha sus Distintas Interpretaciones

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Little Wing y sus distintas interpretaciones

Little Wing” es una canción escrita por Jimi Hendrix grabada en el álbum de 1967 Axis: bold as love. Se ubica en el puesto 357 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, y ha sido versionada por numerosos artistas, en particular, Stevie Ray VaughanEric ClaptonDerek and the DominosStingJohn MayerTotoAndy TimmonsSkid RowThe Corrs,Mr.MarshallPappo entre muchos otros.

Hendrix toca “Little Wing” al estilo de un solista de guitarra, tocando melodía y armonía a la vez. El ejecutar ambas es una posibilidad de este instrumento y se realiza prácticamente en todos los estilos de música en la que habitualmente se emplea la guitarra (Clásico, Famenco, Tango, Jazz, Bossa Nova, Blues, etc.) aunque en el rock generalmente dos guitarristas se turnan para encargarse de la melodía y la armonía. Además Hendrix, sobregraba posteriores guitarras en la sección del solo de guitarra. Al ser un trío (Guitarra, bajo y batería) en las presentaciones en vivo, durante el solo de guitarra, el bajo continúa desarrollando la armonía o base. El inusual efecto flanger de la guitarra principal es resultado del efecto Doppler creado mediante un altavoz giratorio Leslie speaker.

La versión de estudio presenta un Glockenspiel en la interpretación de la nota a raíz de los acordes.

La versión de estudio de Hendrix se puede encontrar en numerosos álbumes de compilación, incluida en el álbum The ultimate experience de (1993). Asimismo, realizó la canción en concierto, y algunas de esas grabaciones están disponibles en CD, incluido en el The Jimi Hendrix experience.

Escucha sus Interpretaciones y elige tu favorita:

 

Jimi Hendrix

Eric Clapton

Skid Row

Metallica

Cors

Rata Blanca

Sting

Sting en Español




El Mítico Festival de Piedra Roja

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El año 1970 se realizó en Santiago el Festival de Piedra Roja, evento multitudinario y juvenil que perfiló al rock chileno como una realidad social efectiva, digna de prestarle atención.

Piedra Roja, también llamado Festival de Los Dominicos, fue un festival de música chileno que, siguiendo el éxito de Woodstock, fue celebrado en el sector de Los Dominicos, comuna de Las Condes, ubicado en el área oriental de Santiago, los días 10, 11 y 12 de octubre de 1970.

De forma similar a Woodstock, se vivió una situación medianamente caótica durante el festival, que incluyó problemas de sonido, drogas y delincuencia. Por otro lado, el festival demostró por una parte que la población joven de Chile durante los años 1970 era un importante grupo a considerar y en segundo lugar la creciente tensión social que finalizaría con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973.

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Piedra Roja en los Orígenes del Rock en Chile

Los orígenes del rock en Chile son imprecisos. Si bien los primeros discos del género circularon a mediados de la década de 1950, en la interpretación de Elvis Presley, el primer hito significativo fue la exhibición en nuestro país de la película Semilla de maldad (Blackboard jungle), que incorporó en su banda sonora un tema de rock and roll: “Rock around the clock”, interpretado por Bill Haley y sus Cometas. El sonido y la imagen de este nuevo ritmo se transformaron, paulatinamente, en la preferencia musical de los jóvenes de este rincón del mundo.

Con esta motivación, surgieron poco a poco diversos grupos y solistas que intentaron emular la música proveniente de Estados Unidos. Todos ellos constituyeron un movimiento de gran popularidad, que fue referente de la década de 1960 en Chile, y que se conoció como la Nueva Ola.

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Hacia fines de la década de 1960, el rock chileno comenzó a asumir características contestatarias y rebeldes. Muchos jóvenes empezaron a usar ropas estrafalarias, dejarse el pelo largo y a cantar agresivamente y con estruendosos sonidos sobre el escenario. El meloso rock de la Nueva Ola daba paso a la rebelde sicodelia, a la propuesta pop contracultural y agresiva, representada en conjuntos como Los Jockers. Pero aún el movimiento no asumía, completamente, una identidad propia.

El año 1970 fue un hito en este sentido. En primer lugar, un grupo proveniente de Valparaíso editó su primer disco larga duración; Los Jaivas lanzaron al mercado su LP. El Volantín, con mínima difusión y donde mezclaban instrumentos y ritmos chilenos y latinoamericanos, con las variables propias de la música rock anglosajona. Fue el inicio de la carrera discográfica del más célebre de los grupos de rock chileno, y el paradigma del rock con identidad nacional.

En segundo lugar, el mismo año se realizó en Santiago el Festival de Piedra Roja, evento multitudinario y juvenil que perfiló al rock chileno como una realidad social efectiva, digna de prestarle atención.

La proliferación de grupos durante los primeros años de la década de 1970 fue notable. Sin embargo, el proceso tuvo su quiebre con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. La represión significó el fin de espectáculos nocturnos, de reuniones masivas y el deterioro creciente de la industria discográfica nacional. Si bien siguieron existiendo conjuntos, su difusión fue mínima y su impacto en el país, prácticamente nulo. La escena era subterránea, underground.

El resurgimiento evidente comenzó a partir de la década de 1980. La industria musical chilena, a veces con reticencia, empezó a dar cabida a distintos grupos de jóvenes cuyo emblema lo constituyeron Los Prisioneros. Se construyó así un nuevo movimiento, bautizado por la misma industria como pop latino.

La década del 90 estuvo marcada por la sofisticación en la música y la internacionalización de algunos de sus conjuntos. Los Tres y La Ley fueron buenos ejemplos de esto. La evolución posterior del rock es un misterio, pero su historia es una realidad social del siglo XX que merece ser reconocida y comprendida.

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Muertes famosas de leyendas de la música

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Presentamos el ranking de los músicos muertos a consecuencia de los excesos, las drogas o la fama no asimilada. Juguetes rotos que han dicho adiós con trágicas muertes anunciadas durante años.

Escándalos, depresiones o drogas, muchos han sido los medios pero la consecuencia final es que con sus muertes nos han dejado huérfanos de su arte y llorando con sus canciones que nunca volverán a ser interpretadas por ellos. Elvis Presley, Billie Holliday, Janis Joplin… Decenas de nombres que un día o una noche pusieron punto final a una vida cargada de éxitos y de miedos que pudieron con ellos. Simplemente geniales!!!
JIMI HENDRIX
James Marshall “Jimi Hendrix” nació en Seattle (Estados Unidos) el 27 de noviembre de 1942 y murió en Londres (Reino Unido) el 18 de septiembre de 1970. Fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense.
Es considerado y citado frecuentemente por varios artistas, por diversas revistas especializadas en música, por varios críticos y la prensa en general y por la admiración y el cariño de la gente como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page , Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.
Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock. Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción “Voodoo Child” según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como Derek and The Dominos, Guns N’ Roses, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras James Marshall Hendrix también recurrió a la mezcla de alcohol y barbitúricos para decir adiós. No fue una muerte dulce, ya que su autopsia reveló que falleció ahogado por sus propios vómitos.

JANIS JOPLIN
Janis Joplin nació el 19 de Enero de 1943 en Port Arthur (Texas) y murió el 4 de Octubre de 1970 en Los Ángeles (California) con 27 años. Fue una cantante estadounidense de rock and roll y blues caracterizada por su poderosa voz y su espíritu rebelde. Su nombre completo es Janis Lyn Joplin.
Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y el movimiento Hippie y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock. En el 2008 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

Un espíritu rebelde y libre, que como la mayoría de los artistas de aquellos años se dejó llevar por las drogas experimentales y que luego no supo frenar.
Murió de una sobredosis de drogas (se cree que de heroína) en su habitación del Landmark Motor Hotel.

JIM MORRISON

James Douglas “Jim” Morrison Clarke nació en Melbourne (Estados Unidos) el 8 de Diciembre de 1943 y falleció en trágicas circunstancias en París (Francia) el 3 de Julio de 1971. Tenía 27 años y una larga vida acompañada por los excesos. Fue un poeta, compositor y cantante estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodélico The Doors.

Está clasificado como número 47 en la lista de Los 100 Mejores Cantantes de todos los tiempos en la revista Rolling Stone. No hubo autopsia lo que dio juego a un sinfín de especulaciones sobre su muerte. Realmente parece ser que falleció de un paro cardiaco, aunque muchos hablaron de sobredosis de heroína (droga a la que no era asiduo), de sida e incluso de suicidio. En su tumba reza el epitafio que resume su vida “Kata ton daimona eaytoy”, en griego antiguo se puede traducir como “cada quien su propio demonio”.

 

ELVIS PRESLEY
Elvis Aaron Presley nació el 8 de Enero de 1935 y murió el 16 de Agosto de 1977, murió súbitamente a la edad de 42 años. Fue uno de los cantantes estadounidenses más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como “el Rey del rock and roll” o simplemente “el Rey”.
En 1973, protagonizó el primer concierto teletransmitido, de ámbito mundial vía satélite, Aloha from Hawaii, visto aproximadamente por 1.500 millones de personas.

Elvis Presley es considerado como una de las figuras más importantes de la cultura popular del siglo XX. Tenía una voz versátil y un inusual éxito en muchos géneros, entre ellos el country, el pop, las baladas, el gospel y el blues. Asimismo, se trata del solista con más ventas en la historia de la música popular. Nominado a 14 premios Grammy, ganó tres y recibió uno en la categoría a la carrera artística a la edad de 36 años, además de figurar en diversos salones de la fama musicales.
El Demerol, un narcótico analgésico, fue su vía de escape para una vida que desde fuera podría parecer de ensueño, pero que para su protagonista era una auténtica pesadilla y que a la postre fue su perdición.

KURT COBAIN
Kurt Donald Cobain nació en Aberdeen (Washington) el 20 de Febrero de 1967 y murió en Seattle (Washington) el 5 de Abril de 1994. Fue el cantante, compositor y guitarrista de la prominente banda grunge Nirvana. Cobain y Nirvana ayudaron a transformar la música popular en los años 90.
El 8 de abril de 1994 Cobain fue encontrado muerto en su casa de Seattle, oficialmente por suicidio. Hay varias teorías sobre su muerte.
Kurt Cobain fue posicionado en el puesto número 12 de Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos según Rolling Stone en 2003 y en el puesto 45 de los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos en 2008, ambos por la revista Rolling Stone.

Varios intentos de suicidio, detectives privados, drogas, en definitiva, una vida atormentada con la que finalmente no pudo sobrevivir.
Durante su vida, Kurt luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada. Desesperado recurrió a las drogas, en especial, a la heroína.
Fue un empleado quien lo encontró junto a lo que parecía ser una nota de suicidio: “Por favor, Courtney, sigue adelante. Por Frances. Por su vida, que va a ser mucho más feliz sin mí. Os quiero, ¡os quiero!”.

 

MICHAEL JACKSON
Michael Joseph Jackson nació en Gary (Indiana) el 29 de Agosto de 1958 y murió en Los Ángeles (California) el 25 de Junio de 2009. Conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes. Conocido como el “Rey del Pop”, logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Guinness World Records en numerosas ocasiones, por motivos entre los que destacan, entre otros, ser el artista musical más exitoso de todos los tiempos, con cerca de 750 millones de discos vendidos; el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy.

Fue el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con “You are not alone”; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes (no bandas sonoras) en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclip más exitoso, Michael Jackson’s Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador más exitoso de todos los tiempos. Además ha sido el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1 (Thriller) y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990.

La noticia sobrecogió a todo el mundo. El Rey del Pop había muerto. Su cuerpo demacrado, débil, frágil salió de “Neverland” para no volver jamás.
Una sobredosis de propofol que su médico le puso le produjo un paro cardíaco del que no pudo salir.
Michael Jackson murió cuando se había propuesto a volver al mundo que siempre le quiso. Tres años después de su muerte los homenajes se siguen sucediendo.

AMY WINEHOUSE
Amy Jade Winehouse nació en Londres el 14 de Septiembre de 1983 y murió el 23 de Julio de 2011. Fue una cantante y compositora británica de origen judío, conocida por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el soul, jazz, R&B, rock & roll y ska. Fue conocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como “acústicamente poderoso” y capaz de expresar “profundamente sus emociones”.
En 2003 Amy Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Amy Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música, de la música soul y por fortalecer a la música británica.
Amy Winehouse recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de Julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un shock por un consumo excesivo de alcohol tras un periodo de abstinencia.

Eran más las fotos de la artista británica en estado ebrio o medio semiinconsciente que sus éxitos. Sólo le dio tiempo a grabar dos discos, pero fueron suficientes para encumbrarla a lo más alto.
Las drogas, el alcohol, las malas influencias, la fama… fueron el empujón a la tumba de Amy Winehouse. La imagen de Amy en un concierto, sin voz, ebria y sin coordinación fue la última.
“Todo lo que Amy hizo, lo hizo con exceso: tomó con exceso y también se desintoxicó con exceso”, dijo su padre tras su muerte.

WHITNEY HOUSTON
Whitney Elizabeth Houston nació en Newark el 9 de Agosto de 1963 y murió en los Los Ángeles el 11 de febrero de 2012. Fue una cantante estadounidense de R&B, soul, pop y góspel, aunque también destacó como actriz, compositora, productora, empresaria y modelo.
Según Guinness World Records es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos, dos premios Emmy, seis premios Grammy, treinta premios Billboard Music Awards y veintidós American Music Awards, para un total de 415 premios en su carrera. También es una de las artistas musicales que ha vendido un mayor número de discos en el mundo: más de 170 millones de álbumes, sencillos y vídeos.

Conocida como The voice (La voz) debido a su calidad vocal, Whitney Houston llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, que vendió 30 millones de copias y se convirtió en el álbum de debut con mayores ventas de una intérprete femenina en la historia. En 1987 lanzó su segundo álbum de estudio, que se convirtió en el primero de una artista femenina en debutar en el número uno en la lista de ventas Billboard 200.
Su carrera ha influenciado en la de muchos otros artistas como Christina Aguilera, Céline Dion, Jessica Simpson, Alicia Keys, Britney Spears, Nelly Furtado y otros artistas de música R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 140 millones de dólares con la discográfica Arista.

Inició su carrera cinematográfica en el año 1992 con la película El guardaespaldas, cuya banda sonora alcanzó el puesto número tres de los 100 álbumes más vendidos de todos los tiempos, con 48 millones de copias vendidas en 2004.
Whitney Houston se convirtió en la última en entrar a formar parte de la lista de juguetes rotos. En la bañera de la habitación de un hotel de Beverly Hills, ahogada, la encontró su estilista.
Ella misma ya lo dijo, era su mejor amiga y su peor enemiga, y aquella noche lo fue. Las drogas que le acompañaron muchos años, el alcohol con el que se olvidaba y los antidepresivos eran sus acompañantes.
Se ahogó en la bañera tras una sobredosis de Xanax, un fármaco para la ansiedad.

 




U2 Sorprende en un bar de México

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Como acostumbraban en sus inicios,  BonoThe Edge y Larry Mullen, integrantes de la banda irlandesa  U2, el 28 de mayo pasado, sorprendieron a los clientes de un pequeño bar de San José del Cabo, en Baja California Sur, a quienes deleitaron con un poco de música en vivo.

Los miembros de la agrupación llegaron en una comitiva de tres camionetas hasta el lugar, relató el propietario del restaurante-bar “La Ostreja”, Fernándo Hernández, ubicada en el centro histórico de la ciudad.

Al ingresar, Larry de inmediato observó la batería sobre el escenario y se subió para probarla. Esta acción provocó que la gente enfocara su atención sobre la banda. A partir de ese momento, todos adentro del lugar empezaron a tomar fotos y videos.

Luego The Edge tomó una guitarra y Bono el micrófono para unirse a su compañero. Ya reunidos tocaron el clásico Desire , “Vaya que sorpresa se llevaron”.

Al parecer la banda visitaba Los Cabos para asistir a la fiesta de cumpleaños del actor George Clooney.

 




“Bäume al Colegio” Saludos y Capsulas del Programa

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Bäume al Colegio

Saludos y Capsulas del Programa 2014

Lunes a Viernes

Las mañanas camino al colegio de 7:30 a 8:30 am

Programa  realizado por Alumnos y Profesores de la Academia Bäume en conjunto con Radio Chicureo, se transmite en las mañanas de 7:30 a 8:30 am, los días Lunes a Viernes. Las transmisiones constan de 1 programa semanal repetido en los dias mencionados. Escúchanos en nuestra web www.chicureoradio.cl y puedes tambien escuchar el programa semanal en la sección  Programación de Radio Chicureo.

Revisa todos los programas aquí…

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“Scat”: el arte de la improvisación

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“Scat”: el arte de la improvisación

Podemos definir el “scat” de un modo sencillo, como improvisaciones vocales sin sentido gramatical, y que buscan el acercamiento a la técnica instrumental.

Orígenes

Cuenta la leyenda que Louis Armstrong durante una interpretación olvidó la letra de la canción y siguió cantando utilizando frases sin sentido. Al público le gustó esta modalidad y obligó al músico a trabajar en esta línea. A partir de este momento en todos sus conciertos le pedían que improvisase en “scat”.

Los reyes del “scat”

Louis Armstrong, trompetista y cantante nacido en Nueva Orleans, y Ella, cantante neoyorquina, ambos considerados los mejores del mundo en su modalidad, abrieron camino a otros grandes como Cole Porter, Duke Ellington, Bing Crosby o Frank Sinatra.

Louis y Ella convirtieron el “scat” en un arte popular entre todos los amantes de la música. Versiones como las históricas Mack the knife o How hight the moon, son pruebas de ello.

Sala Olympia de París.

El encuentro de Ella y Louis

El 11 de agosto de 1956, Ella Fitzgerald y Louis Armstrong se encontraron por primera vez en un estudio de grabación y crearon un momento de historia, se llamó Ella and Louis. Siguiendo la filosofía del “scat”, Norman Granz, el gran productor discográfico e inventor del “Jazz At The Philarmonic“, buscó la espontaneidad y eso incluía no ensayar nunca antes de la grabación. Con esta base cualquier cosa que quisiera hacer Satchmo y Ella tenía los resultados asegurados.

La segunda cita de los reyes del “scat” se produce exactamente un año después. Ella and Louis againsería el titulo de este segundo volumen, un complemento idóneo al primer disco. El tema más popular fue Stompin at the Savoy, que habían grabado orquestas como las de Benny Goodman o Count Basie. Ella y Louis hacen suya la melodía y la redondean con un dinámico “scat” compartido.

Su obra maestra

La versión jazzística de la obra Porgy and Bess sin lugar a dudas fue la que permitió a estas dos voces alcanzar toda su plenitud. Se grabó los días 18, 19 y 28 de agosto. Se trataba de una de varias selecciones de una ópera. Satchmo y Ella despojaron cada canción de su contenido operístico y las convirtieron en canciones de la calle.

La música es un arte y, como todo arte, compuesto por piezas únicas e irrepetibles. Eso es el “scat”, instantes de improvisación, sin lógica, sin orden. El alma que fluye y ameniza los sentidos.